Blues para un Viejuno...

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Son House

House nació en Riverton, localidad cercana a Clarksdale, Misisipi, siendo el hermano mediano de 17. A los ocho años de edad, y tras la separación de sus padres, se trasladó a Tallulah, Luisiana, junto a su madre. Durante su adolescencia, quiso convertirse en un predicador bautista, iniciándose a los quince años. Inspirado por el trabajo de Willie Wilson, House se vio atraído por el blues, a pesar de la oposición de la Iglesia acerca de este estilo musical por los pecados que lo rodeaban, comenzando a tocar la guitarra a mediados de la década de 1920. Trabajó hasta 1942 en Robinsonville, Misisipi, con músicos como Charley Patton, Willie Brown, Robert Johnson, Fiddlin' Joe Martin y Leroy Williams.

Tras asesinar a un hombre, en supuesta defensa propia, pasó un tiempo en la Prisión del Estado de Misisipi, durante los años 1928 y 1929.

Son House realizó grabaciones en 1930 para la compañía discográfica Paramount Records y para Alan Lomax (perteneciente a la Biblioteca del Congreso) en 1941 y 1942. Posteriormente desapareció de la escena musical hasta la década de 1960 (periodo caracterizado por el resurgir del country blues), cuando, tras una búsqueda iniciada por Nick Perls, Dick Waterman y Phil Spiro en la región del Delta del Misisipi, fue "redescubierto" en 1964 en Rochester, Nueva York, localidad en la que vivía desde 1943; House estaba retirado de la escena musical y trabajaba para la New York Central Railroad, siendo completamente ajeno al entusiamo internacional que reinaba por la reeedición de sus primeras grabaciones. Debido a ello, inició una serie de giras musicales por Estados Unidos y Europa, realizado grabaciones para la compañía CBS. Al igual que Mississippi John Hurt, actuó en el Newport Folk Festival en 1964, en el New York Folk Festival de 1965, en la gira europea del verano de 1970 junto a Skip James y Bukka White y en el Festival de Jazz de Montreux de ese mismo año.

Los últimos años de su vida estuvieron caracterizados por la enfermedad, volviendo a retirarse de la escena musical en 1974 trasladándose a Detroit, Michigan, lugar donde residiría hasta su fallecimiento debido a un cáncer de laringe. Fue enterrado en el Mt. Hazel Cemetery. Los miembros de la Sociedad de Blues de Detroit, realizaron una serie de conciertos benéficos para recaudar dinero con el fin de construir una estatua en la tumba de Son House.

El estilo musical innovador de House se caracteriza por utilizar ritmos fuertes, marcados y repetitivos, junto a una forma de cantar que recuerda los lamentos de las chain gang (grupos de prisioneros). House influenció ampliamente a Muddy Waters y Robert Johnson, siendo este último el que llevaría la música de House a otras audiencias; fue precisamente House quien, en una conversación con admiradores en la década de 1960, expandió la leyenda de que Johnson había vendido su alma al diablo a cambio de poder tocar la guitarra de forma magistral. House ha influenciado a músicos actuales como White Stripes, quienes realizaron una versión de su canción "Death Letter" en el disco "De Stijl", interpretando dicha canción en la ceremonia de entrega de los premios Grammy de 2004. Los White Stripes también incorporaron secciones de la canción tradicional de Son House "John the Revelator" en la canción "Cannon" de su disco "The White Stripes".
Discografía

Las grabaciones de Son House se engloban en cuatro categorías: un número pequeño de canciones (de 6 a 10) fueron grabadas en 1930 para la compañía discográfica Paramount Records, grabando muchas de ellas con el mismo nombre, como por ejemplo las dos partes de la canción "My Black Mama". 19 canciones grabadas por Alan Lomax en 1941 y 1942, sin carácter comercial, grabaciones de estudio desde 1965 y grabaciones en directo, del mismo periodo.

The Complete Library Of Congress Sessions" (1964) Travelin' Man Cd 02
Blues From The Mississippi Delta" (1964) Folkways 2467
The Legendary Son House: Father Of The Delta Blues" (1965) Columbia 2417
In Concert" (Oberlin College, 1965) Stack-O-Hits 9004
Delta Blues (1941-1942)" Smithsonian 31028
Son House & Blind Lemon Jefferson (1926-1941)" Biograph 12040
Son House - The Real Delta Blues" (Grabaciones de los años 1964 y 1965) Blue Goose Records 2016
Son House & The Great Delta Blues Singers" (Con Willie Brown) Document Cd 5002
Son House At Home : Complete 1969" Document 5148
Son House" (Biblioteca del Congreso) Folk Lyric 9002
John The Revelator" Liberty 83391
American Folk Blues Festival '67" (1 Cut) Optimism Cd 2070
Son House - 1965-1969" (Principalmente apariciones en televisión) Private Record Pr-01
Son House - Father Of The Delta Blues : Complete 1965" Sony/Legacy Cd 48867
Living Legends" (1966) Verve/Folkways 3010
Real Blues" (1964) Takoma 7081
John The Revelator" (1970)Sequel Cd 207
Great Bluesmen/Newport" (1965) Vanguard Cd 77/78
Blues With A Feeling" (1965) Vanguard Cd 77005
Son House/Bukka White - Masters Of The Country Blues" Yazoo Video 500 :
Delta Blues And Spirituals" (1995)
In Concert (Live)" (1996)
Live At Gaslight Cafe, 1965" (2000)
New York Central Live" (2003)
Delta Blues (1941-1942)" (2003)
Proper Introduction to Son House" (2004) (Contiene todo el material grabado durante los años 1930, 1940 y 1941)

http://es.wikipedia.org/wiki/Son_House


Son House - Death Letter Blues




Mississippi John Hurt

"Mississippi" John Smith Hurt (Teoc, Misisipi, 8 de marzo de 1892,1 Grenada, Misisipi - 2 de noviembre de 1966, cantante y guitarrista de blues y folk.

John Smith Hurt creció en la localidad de Ávalon, Misisipi y aprendió a tocar la guitarra con 9 años. Pasó parte de su infancia escuchando los viejos temas del blues mientras trabajaba como peón de granja en la década de los 20. En 1923, debutó de la mano de Willie Narmour, sustituyendo a su habitual compañero Shell Smith. Cuando Narmour tuvo la ocasión de grabar con Okeh Records, recomendó a John Hurt al productor de la discográfica Tommy Rockwell. Después de escuchar "Monday Morning Blues" en su casa, el grabó dos sesiones en Memphis y en Nueva York. El mote de "Mississippi" se lo puso Okeh en sus promociones. Después de un disco que pasó sin pena ni gloria y la bancarrota de OKeh por la depresión, Hurt volvió a Avalon para trabajar como bracero y tocar en fiestas locales.

Pero a Mississippi, la suerte le da una segunda oportunidad. En 1963, el crítico musical Tom Hoskins, inspirado en sus canciones, fue capaz de localizarlo.2 Con su guitarra prácticamente intacta, Hoskins anima a Hurt a trasladarse a Washington y volverse a presentar como uno de los padres del blues. Comoquiera que sus primeras grabaciones coincidieron con la Gran Depresión, su nueva carrera podría vivir una mejor época. Una actuación espectacular en 1963 en el Newport Folk Festival se convirtió en el nuevo ídolo de los seguidores del "folk" y antes de su muerte en 1966 realizó multitud de conciertos (incluso en el programa "Tonight Show" con Johnny Carson. También grabaría tres álbumes con la discográfica Vanguard Records. La influencia de John Hurt se extiende en diferentes géneros como el blues, el country, bluegrass, folk o el rock and roll.
Discografía

Avalon Blues: The Complete 1928
Last Sessions - 1966
Mississippi John Hurt 1928 Sessions
Worried Blues
Mississippi John Hurt Today
Mississippi John Hurt Last Sessions
The Best of Mississippi John Hurt ,1966
The Candy Man
Volume One of a Legacy
Folk Songs and Blues


Mississippi John Hurt - Spike Driver Blues

http://es.wikipedia.org/wiki/Mississippi_John_Hurt

Post del Blues...

Dedicado a Kramer...

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Leadbelly

Huddie William Ledbetter (Morringsport, Luisiana, 20 de enero de 1888 – Nueva York, 6 de diciembre de 1949), conocido como Leadbelly, fue un músico y compositor norteamericano de blues y folk. Destacó por sus claras y poderosas interpretaciones, por el virtuosismo con que tocaba la guitarra de 12 cuerdas y por haber compuesto una serie de canciones que han devenido clásicas. Realizó más de 300 registros discográficos y fue influido musicalmente por Blind Lemon Jefferson.

Aunque conocido como "Leadbelly", él mismo se denominaba "Lead Belly",1 y así aparece escrito en su lápida.
Leadbelly, hijo de Wesley y Sally Ledbetter, nació en una plantación próxima a Mooringsport, una población de Luisiana cercana a la frontera tejana, el 21 de enero de 1885 pero a los cinco años se trasladó a Leigh, Texas. Allá su tío le regaló su primer instrumento, un acordeón, a la vez que le enseñó a tocar la guitarra y la armónica.
Huddie Ledbetter (Leadbelly) and Martha Promise Ledbetter, Wilton, Conn.

Desde una edad temprana empezó a ganarse la vida como guitarrista ambulante, aun cuando ocasionalmente trabajó de jornalero; aprendió a cantar blues, canciones de trabajadores y otros temas folclóricos. También, prácticamente desde el primer momento en que inició su vida artística, se vio inmerso en constantes conflictos, básicamente de carácter pasional (a los veinte años ya había concebido al menos dos hijos y él mismo declaró que en su juventud se había llegado a acostar con ocho o diez mujeres por noche), así que al mismo tiempo que ganaba reputación como músico, se empezó a convertir en un conocido delincuente en el sur de los Estados Unidos, hasta el punto de que pasaría diversas etapas en cárceles de Texas y Louisiana.
[editar] Los años de prisión y su descubrimiento por los Lomax

Se sabe que estuvo una temporada en una prisión de Texas condenado por una agresión, pero en 1916 se escapó. En 1918, volvía a estar recluido en una penitenciaria, también en Texas, cumpliendo una condena de 20 años por asesinato. Sin embargo, en 1925 obtuvo la libertad (la leyenda diría que lo consiguió cantando para el gobernador Pat Neff, que visitaba la prisión y al cual impresionó con una canción en la que suplicaba perdón; la realidad parece ser que su indulto fue debido a su buena conducta).

Entonces volvió a Luisiana, pero hacia 1930 volvía a estar en prisión, esta vez acusado de intento de asesinato. Pero todo cambió cuando, en 1933, visitaron la prisión los folkloristas John y Alan Lomax con la intención de grabar música folk negra para la Library Of The Congress. Los Lomax quedaron totalmente seducidos con Leadbelly y, con un equipo de grabación portátil, en la misma cárcel le grabaron otro tema suplicando perdón que los Lomax hicieron escuchar al gobernador de Lousiana, O. K. Allen (cabe decir que en la otra cara de la placa donde quedó grabado, Leadbelly quiso que le grabaran su conocido Goodnight, Irene) y, según parece, esta vez sí que a causa de esta petición de gracia tan peculiar, Leadbelly consiguió la libertad.
[editar] Sus últimos 15 años de vida

Al salir de la prisión (a principios de 1934), Leadbelly acababa de cumplir 49 años. John Lomax lo contrató como su chófer y ayudante, llevándolo en coche a otras prisiones en busca de canciones folk y dando conciertos en los campus de las universidades. De hecho, parece ser que Leadbelly fue el primer negro en dar un concierto para blancos. Sin embargo, rompería con Lomax unos años más adelante debido a que las grabaciones que habían realizado no tuvieron la repercusión que se esperaba (se calcula que grabó más de doscientas piezas hasta el año 1942) y, también, al fuerte carácter de ambos.

En diciembre de 1934, Leadbelly fija su residencia en Nueva York de donde ya no se movería con excepción de un período de tres años en los que residió en California. Un año después se casó con Martha Promise y empezó a grabar temas para sellos como RCA Victor o Capitol Records. Esto, junto con actuaciones radiofónicas cada vez más frecuentes, le dio fama (pero no fortuna) y entró a formar parte de las formaciones The Almanaque Singers y People's Songs, agrupaciones de cantantes folk (entre ellos Sony Terry, Pete Seeger, Brownie McGhee, Woody Guthrie y Josh White) que apoyaban con sus canciones y recitales las reivindicaciones obreras, dando continuidad a la tradición de Joe Hill y otros trovadores anarcosindicalistas.

En 1939 volvió a ingresar en prisión acusado de asalto y estuvo recluido hasta 1940. En 1944 se trasladó a California donde residió hasta 1947.

En 1949 hizo una gira por Francia siendo el primer artista de su estilo que dio un concierto en Europa. Sin embargo, antes de acabar la gira, cayó enfermo y se le diagnosticó esclerosis lateral amiotrófica (enfermedad de Lou Gehrig ). Después de suspender la gira, volvió a los Estados Unidos y murió en Nueva York el 6 de diciembre de aquel mismo año a los 64 años de edad. Fue enterrado en el cementerio de la iglesia baptista de Shiloh (condado de Caddo Parish), a 8 millas al oeste de Blanchard, Luisiana.

En 1976 vio la luz una película realizada por Gordon Parks y protagonizada por Roger E. Mosley que lleva por título Leadbelly y que narra su vida hasta su salida de prisión a principios de 1934.
Obra

Por lo visto, dominaba varios instrumentos: piano, violín, acordeón, guitarra y armónica, pero normalmente sus grabaciones se basan en su voz, una guitarra de doce cuerdas y su línea de 'walkin bass' sobre la armonía. Tenía tan controlada esta fórmula que compuso innumerables canciones del mismo modo y todas muy originales. Por ello es considerado uno de los pilares del blues-folk norteamericano.

A muchísima gente le suenan canciones como Midnight Special, posiblemente su composición más emblemática, compuesta en la prisión y en la cual amenaza a todo aquel que le intente privar de ver pasar el tren de medianoche que iluminaba su celda y que fue versionada, entre otros muchos, por la Creedence Clearwater Revival, Paul McCartney, Van Morrison y ABBA, Cotton Fields (versionada por la Creedence Clearwater Revival y Harry Belafonte), Gallis Pole (pieza tradicional grabada por Leadbelly y versionada por Led Zeppelin con el título de The Gallows Pole), How Long (versionada, entre otros, por Eric Clapton), Goodnight, Irene (versionada por Jerry Lee Lewis, Tom Waits, Van Morrison y Little Richard entre otros muchos), House of the Rising Sun (canción tradicional que Leadbelly fue de los primeros en grabar y que posteriormente fue versionada por innumerables cantantes, entre otros Bob Dylan, Nina Simone y The Animals) o Where Did You Sleep Last Night (versionada por Nirvana en su acústico y también versionada por Mark Lanegan de Screaming Trees, en su primer disco solista "The Winding Sheet"), pero que casi nadie conoce a su compositor o, en el caso de las canciones tradicionales, su primer gran difusor.

Y pese a esto, su peculiar manera de tocar la guitarra, marcando de una manera tan notoria el walking'bass, conllevó que creara un conjunto de riffs que posteriormente llegarían a ser arquetípicos del rock&roll (véase Roberta, Good Morning Blues, No Good Rider, Pigmeat...)

En definitiva, puede decirse que, mientras Leadbelly vivió, su obra, a caballo entre el blues y el folk, pasó bastante desapercibida para el gran público, a pesar de alcanzar algunos éxitos. Sin embargo, en la segunda mitad del siglo XX, en paralelo con la difusión del blues, ha ido ejerciendo una influencia cada vez más intensa y persistente. Valga como muestra de ello estas dos anécdotas no por puntuales menos significativas

Primera: la última canción que grabaron juntos John Lennon y Paul McCartney fue su 'Take this hammer'.

Segunda: El programa especial que la BBC emitió la noche de Fin de Año del 2000 para dar la bienvenida al nuevo siglo se cerró con una interpretación irrepetible (en ella participaron, entre otros, Van Morrison, Lonnie Donegan, Brian Ferry, Ron Wood y Chrissie Hynde) de su Midnight Special.


leadbelly - house of the rising sun

http://es.wikipedia.org/wiki/Leadbelly



Ma Rainey

Gertrude Malissa Nix Pridgett Rainey (Columbus (Georgia), 26 de abril de 1886 - 22 de diciembre de 1939), conocida como Ma Rainey, fue una cantante negra de blues clásico, una de las primeras en hacerlo con acompañamiento de piano o de orquesta de jazz. Conocida como la "madre del blues" (en parte por su labor de mentora de Bessie Smith), sus grabaciones, un centenar, realizadas cuando tenía cuarenta años, corresponden a los años entre 1923 y 1929, y ejemplifican un tipo de blues urbano ya estandarizado.

Influyó a grandes figuras como Ethel Waters y Billie Holiday.

Casada a los 14 años con Will Rainey, realizó de joven varias giras con los Rabbit Foot Minstrels.

Se retiró a los 47 años, muriendo a los 53 por problemas cardíacos.

En 1994, el servicio postal estadounidense editó un sello postal en su honor.

http://es.wikipedia.org/wiki/Ma_Rainey




Ma Rainey-Booze And Blues




Memphis Minnie

Nació en Algerie, Luisiana (Estados Unidos), en una granja, el 3 de junio de 1897. Su verdadero nombre era Lizzie Douglas. Era la mayor de una familia de 13 hermanos. De pequeña trabajaba cantando en las calles de Memphis para recibir algo de dinero, y adoptó el nombre de Kid Douglas.

Entre 1916 y 1920 recorrió el sur de Estados Unidos junto con un circo. En la década del 20 se casó con el músico Casey Bill Weldon, pero la relación no duró mucho. En 1929 conoce al guitarrista Joe McCoy y se casa con él. Formaron un dúo que duró 5 años y tuvo considerable repercusión en el mundo de la música.

Más tarde se casaría con Ernest Lawlard.

Entre los años 40 y comienzo de los 50, su prestigio creció poco a poco. No sólo cantaba sino que tocaba la guitarra muy bien con gran dominio del escenario. Realizó giras por todo el país con grandes músicos como Big Bill Broonzy.

En 1961 muere su tercer esposo de un problema de apoplejía. Al poco tiempo, ella sufre de un problema similar que le generó problemas para hablar. A fines de los 60 no podía hablar ni tocar la guitarra.

Muere el 6 de agosto de 1973, tras pasar sus últimos días en clínicas y asilos.

http://es.wikipedia.org/wiki/Memphis_Minnie



Memphis Minnie - If you See my Rooster (Please Run Him Home)

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Sonny Boy Wiliamson

John Lee Williamson, conocido en el mundo del blues como Sonny Boy Wiliamson I, fue un armonicista y cantante, nacido en Jackson (Tennessee), el 30 de marzo de 1914, y fallecido en Chicago (Illinois), el 1 de junio de 1948.

No debe confundirse con Rice Miller, nacido Aleck Ford y conocido como Sonny Boy Williamson II.
John Lee era hijo de granjeros de Tennessee y aprendió solo a tocar la armónica, actuando en un medecine show, donde se ganó el apodo de Sonny Boy. Admirador profundo de Sleepy John Estes y, sobre todo, de su armonicista Hammie Nixon, al que imitaba en sus comienzos. Incorporado finalmente a la banda de Estes, Sonny Boy modeló su estilo a partir del sonido de ambos. En 1934, se trasladó a Saint Louis, donde tabajó con Big Joe Williams, Walter Davis y otros. Después, emigró a Chicago, donde recorrió todos los clubs y logró convertirse en el armonicista favorito del público local.

A partir de 1937 comenzó a realizar grabaciones de gran éxito, en un estilo muy parecido a Estes, entre las que destaca "Good morning, little schoolgirl". En los diez años siguientes, grabaría más de 120 temas para el sello Bluebird, y se convirtió en una de las grandes estrellas de Chicago. Su éxito fue tal, que surgieron muchos imitadores que, incluso, se hacían pasar por él, siendo el más conocido Rice Miller (Sonny Boy Williamson II) al que, por cierto, John Lee estuvo buscando con una pistola en el bolsillo para arreglar cuentas con el impostor.1

Ejerció una indudable influencia sobre los jóvenes armonicistas como Little Walter, Snooky Pryor, Junior Wells o Billy Boy Arnold, a quienes dio lecciones y consejos, además de apoyar a bluesmen como Muddy Waters.

Su carácter y sus excesos con el alcohol, y con las mujeres que acudían a verlo a los clubs, causaron su muerte: El 1 de junio de 1948, volvía muy borracho a casa, tras una actuación, cuando el marido de una mujer a la que había cortejado durante la misma, le atacó con un punzón de hielo, y le atravesó la cabeza2
Sonny Boy tocaba la armónica en el llamado estilo cross harp, es decir, en un tono una cuarta por debajo del tono en que estaba afinada, lo que permitía conseguir la escala del blues aspirando la mayoría de las notas, en lugar de soplando, permitiendo de esa forma la vocalización y distorsión, mediante la técnica de los "bendings" (bajar el tono de la nota doblando la lengüeta mediante la modificación de la cavidad bucal) , típicas del blues.3 Fue Williamson quien impulsó esta técnica, así como la del Double stop, es decir, tocar dos notas a la vez, para crear efectos rítmicos.

Fue también quien introdujo en Chicago la formación de banda que más tarde sería típica del blues eléctrico, incluyendo una guitarra eléctrica (Big Bill Broonzy, Big Joe Williams o Robert Nighthawk, normalmente), un piano, un bajo y una batería.

http://es.wikipedia.org/wiki/Sonny_Boy_Williamson_I


Sonny Boy Williamson-I`m A Lonely Man




Howlin' Wolf

Chester Arthur Burnett (White Station,10 de junio de 1910 - Hines, 10 de enero de 1976), conocido como Howlin' Wolf (Lobo Aullador) fue un músico afroamericano, cantante de blues, guitarrista y armonicista.

Con una voz y una presencia física características, Burnett se colocó entre los principales artistas del blues eléctrico; el músico y crítico musical Cub Koda declaró, "nadie puede igualar a Howlin 'Wolf en su singular capacidad para el rock."1

Con sus 1,98 m de estatura y cerca de 136 kg de peso, fue una figura imponente con una de las voces más memorables entre todos los cantantes de blues "clásicos" en el Chicago de los años 50. Su voz ha sido comparada con "el sonido de las máquinas pesadas que operan en un camino de grava". Junto con su contemporáneo y rival profesional Muddy Waters, formaron los dos pilares del Chicago blues.
Hijo de plantadores de algodón, Howlin' Wolf trabajó de granjero en la década de los 30, siendo uno de los pioneros entre los negros que emigraron en los años 40 a Chicago, aunque siempre mantuvo sus raíces. Sirvió durante la Segunda Guerra Mundial en el ejército norteamericano.
[editar] Carrera

En 1948 formó una banda que incluía guitarristas como Willie Johnson y M. T. Murphy, el armonicista Junior Parker, un pianista llamado Destruction y el batería Willie Steele, y en 1951 comenzó a actuar en radio en West Memphis, Arkansas.

Su álbum de 1962 Rockin' Chair Album es uno de los más famosos discos de blues, conocido por la ilustración de su cubierta con una mecedora. Este álbum contenía "Wang Dang Doodle," "Goin' Down Slow," "Spoonful" y "The Red Rooster", canciones que sirvieron de base a los repertorios de las bandas inglesas y americanas enamoradas de los blues de Chicago. En 1965 apareció en el show televisivo Shindig junto con los Rolling Stones.

Wolf dio varios conciertos en Chicago en 1972, grabados por la discográfica Chess en su álbum Live and Cookin' y en 1973 produjo su último álbum The Back Door Wolf. Tuvo especial resonancia su álbum London Sessions, grabado en Londres junto a una super-banda de estrellas británicas (Eric Clapton, Stevie Winwood, Charlie Watts, Bill Wyman) y su inseparable Hubert Sumlin.

El inimitable estilo abrasivo de Howlin' Wolf ha imposibilitado cualquier imitación. Dotado de una técnica musical rudimentaria (tanto en la armónica como en la guitarra slide), su peculiar sentido del tempo y sus aullidos (como en la célebre "Smokestack Lightning") confirieron siempre a sus interpretaciones un vigor inigualable.

El rock psicodélico de los sesenta tuvo en Howlin' Wolf a uno de sus máximos inspiradores. Jimi Hendrix comenzó su actuación en el festival de Monterrey, en 1967, (su primera aparición al nivel de las grandes estrellas) con una frenética versión de un clásico de Howlin' Wolf, "Killing floor". Los Cream convirtieron en éxito otra de las grandes piezas de Howlin' Wolf (aunque compuesta por Willie Dixon), la febril "Spoonful", y también los californianos Grateful Dead legaron una recordada recreación de "Sittin' on the top of the world". Los Doors versionaron "Back door Man" y los Rolling Stones tuvieron unos de sus hits más tempranos con la inefable "Little red rooster". El estilo vocal de John Fogerty, cantante de Creedence Clearwater Revival, debe también mucho a Howlin' Wolf, lo que se hace patente en canciones del grupo como "The Graveyard Train" entre otras.

Howlin' Wolf murió de cáncer en el Hospital de Veteranos de Hines, Illinois, el 10 de enero de 1976.

http://es.wikipedia.org/wiki/Howlin%27_Wolf


Howlin' Wolf-Smokestack Lightning

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Muddy Waters

McKinley MorganField (4 de abril de 1915 - 30 de abril de 1983), más conocido como Muddy Waters, fue un músico de blues estadounidense generalmente considerado el Padre del Blues de Chicago.

Nacido en Rolling Fork, Misisipi. Fue grabado por primera vez en una plantación del delta del río Misisipi por Alan Lomax para la biblioteca del congreso en 1940. Más tarde se mudó a Chicago, Illinois, donde cambió de guitarra acústica a guitarra eléctrica, volviéndose cada vez más popular entre los músicos negros de la época.

La forma de tocar de Waters es altamente característica dado su uso del slide. Su primera grabación para Chess Records mostraba a Waters en guitarra y vocales, apoyado por un contrabajo. Más tarde añadió percusión y la armónica de Little Walter para completar su clásica formación de blues.

Con su voz rica y profunda y su carismática personalidad, apoyado por un gran grupo de estrellas, Waters pronto se convirtió en la figura más reconocible del Blues de Chicago. Hasta B.B. King lo recordaría como el "Jefe de Chicago". Todas sus bandas fueron un quién-es-quién de los grandes del Blues de Chicago: Little Walter, Big Walter Horton, James Cotton, Junior Wells, Carey Bell en la armónica, Willie Dixon en el bajo, Otis Spann, Pinetop Perkins en el piano, Buddy Guy en la guitarra entre otros.

Las grabaciones de Waters de finales de los 50 y principios de los 60 son particularmente buenas. Muchas de las canciones que tocó se convirtieron en clásicos: "Got My Mojo Working", "Hoochie Coochie Man", "She's Nineteen Years Old" y "Rolling and Tumbling" son todos grandes clásicos, muy frecuentemente objetos de covers por bandas de diferentes géneros.

Su influencia ha sido enorme a través de muchísimos géneros musicales: Blues, Rythm & Blues, Rock, Folk, Jazz y Country. Waters ayudó a Chuck Berry a conseguir su primer contrato de grabación.

Sus tours en Inglaterra a principios de la década de 1960 marcaron, posiblemente, la primera vez de una banda amplificada haciendo Hard-Rock allí (Uno de los críticos presentes señaló que se retiró al baño a escribir su crítica, ya que la música estaba demasiado alta). Los Rolling Stones se nombraron de esa manera por la canción de Waters de 1948: "Rollin' Stone", también conocida como "Catfish Blues".1 El gran hit de Led Zeppelin "Whole Lotta Love" está basado en la canción de Muddy Waters "You Need Love", que fue escrita por Willie Dixon, quien escribió algunas de las canciones más famosas: "I Just Want to Make Love to You," "I'm your Hoochie Coochie Man," y "I'm Ready."

Otras canciones características de Muddy Waters son "Long Distance Call," "Mannish Boy," y el himno del rock/blues "I've Got My Mojo Working" (Compuesta originalmente por Preston Foster).

Muddy Waters murió en Westmont, Illinois a los 68 años de edad, y fue enterrado en el cementerio de Restvale, en Aslip, Illinois, cerca de Chicago.

The Best of Muddy Waters
Muddy Waters sings Big Bill Broonzy
At Newport
Folk Singer
The Real Folk Blues
Down on Stovall's Plantation: His First Recordings Testament
More Real Folk Blues
Electric Mud
After the Rain
Fathers and Sons
Sail On
They Call Me Muddy Waters
Live (at Mr. Kelley's)
The London Muddy Waters Sessions
Can't Get No Grindin'
"Unk" in Funk
The Muddy Waters Woodstock Album
Hard Again Blue Sky
I'm Ready Blue Sky
Muddy "Mississippi" Waters - Live
King Bee
The Chess Box
The Complete Plantation Recordings
One More Mile
Rollin' Stone: The Golden Anniversary Collection
The Lost Tapes
The Essential Collection
Muddy Waters 1941–1946
The Anthology (1947–1972)
Hoochie Coochie Man: Complete Chess Masters, Vol. 2: 1952–1958
The Definitive Collection
Breakin' It Up, Breakin' It Down (Muddy Waters, Johnny Winter, & James Cotton)
Authorized Bootleg: Live at the Fillmore Auditorium November 4–6, 1966

http://es.wikipedia.org/wiki/Muddy_Waters


Muddy Waters - Blow Wind Blow

Muddy Waters-Manish Boy

[xaranzaina]

Elmore James

Elmore James (27 de enero, 1918 – 24 de mayo de 1963) fue un guitarrista de blues estadounidense, considerado el padre de la bottleneck guitar o slide guitar.

Comenzó su carrera musical en Misisipi junto al armonicista Rice Miller (más conocido como Sonny Boy Williamson), con el que permaneció varios años hasta que consiguió su primer contrato de grabación en 1951. Fue entonces cuando se trasladó a Chicago, donde inició su andadura en solitario acompañado del grupo "The Broomdusters". Falleció el 24 de mayo de 1963 de un ataque al corazón.

Su estilo sin trabas y apasionado se distinguía por el sonido característico del slide blues, que puede apreciarse en canciones como "Dust my broom", "I Believe" o "It hurts me too". El sonido de James ha influenciado a músicos de blues y rock como Jeremy Spencer de Fleetwood Mac, Brian Jones de The Rolling Stones, Alan Wilson de Canned Heat, Stevie Ray Vaughan, Michael Bloomfield, Duane Allman o John Mayall. Es nombrado por los Beatles en la canción For You Blue del disco Let It Be.

Autor de una considerable cantidad de clásicos del blues, muchas de esa piezas fueron posteriormente versionadas por grandes del rock y del blues. “Dust my broom” fue grabado por Fleetwood Mac, “Bleeding Heart” por Jimi Hendrix, “RollinŽnŽtumblin” por Canned Heat y Eric Clapton entre otros.


1961 Blues After Hours
1965 The Best Of
1965 The Sky is Crying
1965 Memorial Album
1966 The Blues In My Heart, The Rhythm In My Soul
1967 Original Folk Blues
1967 I Need You
1968 The Late Fantastically Great
1968 Tough (Chess recordings + canciones por John Brim) (Blue Horizon 7-63204 [UK])
1968 Something Inside of Me
1969 The Legend Of Elmore James
1969 Elmore James
1969 Whose Muddy Shoes
1969 The Resurrection Of Elmore James
1969 To Know A Man álbum doble

http://es.wikipedia.org/wiki/Elmore_James


Elmore James-Dust My Broom


Elmore James - The Sky is Crying

[kramer]

Impresionante, me lo leeré tranquilo.......

Esta foto es la hostia



¿Sería la batería jecha con madera de la ciénaga?

[goomer]

tiene pinta de ser un recorte de un barril de vinate

[xaranzaina]

Parece el barril que dice goomer,va a ser de la Ciénaga,itó

[xaranzaina]

Bessie Smith


Bessie Smith (Chattanooga, Tennessee, 15 de abril de 1894 - Clarksdale, Misisipi, 26 de septiembre de 1937), conocida como la "emperatriz del blues", fue la cantante de blues más popular de los años 20 y 30 y la más influyente en los cantantes que la siguieron.
Bessie Smith combinaba un inusual sentido del ritmo con una extrema sensibilidad para el tono y la dicción correctos, rasgo que le permitió llegar a una audiencia muy amplia. Su forma de articular notas y palabras, empleando gran variedad de enfoques rítmicos y tonales, aportaba a sus interpretaciones una gran elegancia y cierta apariencia de improvisación.

El primer empleo de Smith fue de bailarina en la compañía Moses Stokes en un espectáculo en el que también trabajaba Ma Rainey, quien no le enseñó a cantar, pero que probablemente le ayudó a desenvolverse en sus comienzos. En 1912, su hermano Clarence le conseguió su primer contrato como profesional.

Smith comenzó a desarrollar su propio espectáculo alrededor de 1913, en el teatro "81" de Atlanta, en 1917 fue descubierta en un club de Selma, Alabama, por Frank Walker (de la discográfica Columbia) y en 1920 había conseguido ganar una reputación en el sur y a lo largo de todo el litoral este de Estados Unidos.

En 1923, cuando el blues comienza a vender discos, firmó con la Columbia records, y rápidamente trazó la línea de la Theater Owners Bookers Association. Su primera grabación fue "DownHearted Blues", grabada en Nueva York en febrero de 1923, una canción escrita y registrada previamente por Alberta Hunter. Ese mismo año graba también "Jailhouse Blues", disco que, en cierto sentido, "señala la aparición del blues clásico"2

Trabajando duramente en el teatro durante los meses de invierno y viajando el resto del año (tenía su propio vagón de ferrocarril), Smith llegó a ser la actriz negra mejor pagada de su tiempo. Realizó grabaciones junto a los artistas más importantes del momento, como Louis Armstrong, James P. Johnson, Joe Smith, Charlie Green o Fletcher Henderson.

Con Louis Armstrong grabó el tema "St. Louis Blues", que "constituye el epítome del blues clásico y destaca por el extraordinario equilibrio existente entre la interpretación vocal y el solo de corneta"2

La carrera de Smith fue breve debido a una combinación de alcoholismo, La Gran Depresión (la cual paralizó toda la industria discográfica) y el nacimiento del vodevil. Smith, sin embargo, nunca paró de realizarse. Mientras que los días de espectáculos elaborados estaban de moda, ella continuó viajando e invirtiendo tiempo de vez en cuando en cantar en clubs.

En 1929 protagonizó el cortometraje St. Louis Blues (canta la canción "St. Louis Blues" junto a los miembros de la orquesta de Fletcher Henderson, el coro de "Hall Johnson" y en un ambiente musical radicalmente diferente al resto de sus grabaciones) y trabajó también en un fracaso de Broadway llamado Pansy, un musical en el que toda la crítica coincidió en que ella era la única actriz que sobresalía.

John Hammond la convenció para grabar cuatro temas para la casa Okeh en 1933, después de verla actuar en el nightclub de Filadelfia. Éstas iban a ser sus grabaciones finales, de gran interés dado que la banda de acompañamiento incluyó músicos de la Era del Swing de la categoría de Frankie Newton y Chuck Berry. Incluso Benny Goodman, que se encontraba en el estudio colindante, se acercó para colaborar con una casi inaudible participación. Hammond no quedó satisfecho con el resultado, y prefirió poner en la cara B los viejos blues, pero "Take Me For A Buggy Ride" y "Gimme a Pigfoot" están entre sus grabaciones más populares.

Smith reanudó sus viajes agregando swing a su repertorio y logrando un cierto éxito.

El 26 de septiembre de 1937 sufrió un grave accidente de coche mientras viajaba a un concierto en Clarksdale, Memphis. Se dirigía, a lo largo del estado de Misisipi, por la autopista 61 con su compañero (y tío de Lionel Hampton) Richard Morgan. La llevaron al Afro-Hospital de Clarksdale, donde tuvieron que amputarle el brazo. Ya no volvió a recuperar el sentido y murió esa misma mañana.
[editar] Rumores que rodearon su muerte

Poco después de su muerte, Hammond armó un revuelo al criticar, en un artículo para la revista de jazz Down Beat, que Smith había sido rechazada en un hospital para blancos, sugiriendo que ella murió a causa de esto. Este rumor que se mantuvo por décadas, alentado en 1959 por la canción The Death of Bessie Smith (La muerte de Bessie Smith) de Edward Albee. Aunque las autoridades desmintieron en todo momento tales rumores, lo cierto es que Hammond nunca se retractó de su historia. Cuando en 1972 el biógrafo Chris Albertson, para su libro Bessie, consiguió una entrevista con Hugh Smith, uno de los doctores que la atendió en aquellas horas, éste guardó silencio respecto a este hecho.

La historia vuelve a repetirse en 1993 en el libro de Alan Lomax The Land Where the Blues Began (La tierra donde nació el blues). La insistencia de Lomax en el mito es más inexplicable cuando se tiene en cuenta una carta recibida por su padre, Juan Lomax, en octubre de 1941. En esa carta, el Dr. W. H. Brandon, que atendió también a Smith, escribió: Bessie Smith sufrió un accidente de automóvil a varias millas en las fueras de Clarksdale y fue traída a Clarksdale en una ambulancia... Murió ocho o diez horas después de su ingreso en el hospital. Le dimos la atención médica adecuada, pero nunca pudimos reanimarla tras el choque.

"Ellos habían oído hablar de lo sucedido a Bessie Smith en 1937 en su ciudad natal," escribió Lomax. "Herida la gran cantante de blues en un accidente de coche, su admisión era rechazada en tres hospitales de Clarksdale debido a que era negra. Al final ella murió desangrada sin atención médica, mientras que sus amigos suplicaban a las autoridades del hospital para que la admitieran. Estos sucesos eran comunes en el sur profundo de los Estados Unidos."

Mientras que Lomax consideraba que este incidente era un caso "típico" de racismo en el sur, el doctor que atendió a Smith (recogido en el libro de Chris Albertson) confirmó que era extremadamente improbable que un conductor negro de ambulancia hubiese llevado a una paciente negra a un hospital de blancos, máxime cuando había un hospital para negros más cercano. El conductor, a esta pregunta, dijo al escritor George Hoefer, veinte años más tarde, que él la había llevado directamente al hospital para negros de Clarksdale, como se había afirmado, pero también mantuvo que Smith había muerto durante el camino, en lugar de morir desangrada mientras esperaba su ingreso. Como puede observarse, esta parte de su historia era incorrecta. Smith todavía se encontraba con vida cuando la ingresaron en el hospital, en el turno de noche, aunque nunca recuperó el sentido y murió a la mañana siguiente a las 11:50 horas.


En uno de los últimos álbumes se ofrecían 14 de las canciones que Smith hizo famosas: The Devil's Music: The Life and Blues of Bessie Smith por Angelo Parra. Llegó a las listas del "top-10 Off-Broadway experiences" en 2001 del diario New York Daily News.

La influencia de Smith en otros cantantes ha sido muy significativa. Cantantes como Billie Holiday, Mahalia Jackson o Janis Joplin reconocieron su influencia. En 1970, cuando fue descubierto el sepulcro sin nombre en el que permanecía su cuerpo, Joplin se ofreció para pagar de su bolsillo el coste de la lápida, que terminaría pagándola a medias con Juanita Green, quien dijo que ella debía los aciertos de su carrera a Bessie Smith. "Era una pequeña muchacha de gran talento en el Standard Theatre", contaba Green a Albertson, "y cuando yo salía de escena, Bessie estaba entre bastidores. Ella me preguntó que si yo iba a la escuela, y cuando le dije sí con la cabeza, ella me dijo: 'usted está mejor allí, dado que no puede cantar.' Era buen consejo."

http://es.wikipedia.org/wiki/Bessie_Smith

Bessie Smith - St. Louis Blues (1929)

Bessie Smith - I'm Wild About That Thing (1929)

[kramer]

La rehostia el camarero con cigarro en la boca detrás de la bluesmana itó

[kramer]

Y este kujopú

http://www.youtube.com/watch?v=qy_H-1J4 ... re=related

mecagoentoslasmulasitó

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pa jiñalse con esta itó

http://www.youtube.com/watch?v=7hzLVngG ... re=related

yo fuí negro en otra vida, ahora estoy negro y en la próxima seré marillo u cobrizo itó

[kramer]

¿Maderas mágikas?

http://www.youtube.com/watch?v=F9R1UhCS ... re=related

y tonalidades maderiles que no escuchamos los soldos

echuchen el feeling, déjense de marikonismos

Abuela Odetta, salúos

[xaranzaina]

Y este kujopú

http://www.youtube.com/watch?v=qy_H-1J4 ... re=related

mecagoentoslasmulasitó

Impresionante Memphis,itó






Miralo aqui con Sonny boy...

Memphis Slim quartet with Sonny Boy Williamson - part 1.

Memphis Slim quartet with Sonny Boy Williamson - part 2.

Memphis Slim quartet with Sonny Boy Williamson - part 3.

Acojonante

[kramer]

hostias, con un micro Senheiser itó

[xaranzaina]

Billie Holiday


Eleanora Fagan Gough (Filadelfia, 7 de abril de 1915 - Nueva York, 17 de julio de 1959), conocida como Billie Holiday y apodada Lady Day, fue una cantante estadounidense de jazz. Junto con Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald, está considerada entre las más importantes e influyentes voces femeninas del jazz.

El tema “Strange Fruit” fue considerado como la mejor canción del Siglo XX, por la revista “Time” en 1999.1

El valor artístico de Billie Holiday reside en su capacidad interpretativa, en su dominio del swing y en la adaptación de sus cualidades vocales al contenido de la canción. Billie Holiday transmite a sus canciones una intensidad inigualable que, en muchos casos, es fruto de una traslación de sus vivencias personales a las letras cantadas. Esta personalización de lo cantado hace que su estilo esté muy vinculado a intérpretes clásicos de blues como Bessie Smith o Ma Rainey; también está clara su deuda, confirmada por ella misma, con Louis Armstrong (en su autobiografía dejó escrito: "Siempre quise el gran sonido de Bessie y el sentimiento de Pops") y, desde luego, con quien sería su principal acompañante: el saxofonista tenor y clarinetista Lester Young

Aunque en los últimos años se ha hecho un gran avance en la investigación biográfica sobre Billie Holiday, su vida sigue teniendo numerosos episodios en la sombra y numerosos aspectos permeados de elementos míticos, legendarios, incentivados por ella misma en su autobiografía.
[editar] Primeros años

Los primeros años de Billie Holiday fueron difíciles; las consecuencias de las vivencias de sus primeros años se proyectaron como una carga negativa sobre toda su vida.

Nació en Filadelfia pero creció en Fells Point, un barrio de Baltimore. Su madre, Sadie Fagan, tenía sólo trece años cuando nació Billie; su padre Clarence Holiday, un guitarrista y bajista de jazz que tocó en la orquesta de Fletcher Henderson, tenía quince. Los padres de Billie nunca se casaron y él las abandonó cuando ella era todavía un bebé. Su madre, excesivamente joven para la responsabilidad, abandonaba con frecuencia a la niña con parientes de no muy buena reputación. Billie fue enviada a una escuela católica a la edad de diez años, después de haber admitido ser violada. Aunque debería haber estado en la escuela hasta convertirse en adulta, un amigo de la familia la ayudó a escaparse dos años después. En 1927, madre e hija se marcharon primero a Nueva Jersey y después a Brooklyn. En Nueva York, además de ayudar a su madre en trabajos de ayuda doméstica, Billie empezó a ejercer la prostitución.

Hay controversia en referencia a la paternidad de Holiday. Esta controversia está generada por la copia de su certificado de nacimiento en los archivos de Baltimore, que muestran como padre a "Frank DeViese". Algunos historiadores consideran esto una anomalía, insertada probablemente por el hospital o trabajadores del gobierno (ver Donald Clarke Billie Holiday: Wishing on the Moon , ISBN0306811367). Clarence Holiday aceptó su paternidad pero fue a duras penas un padre responsable. Rara vez Billie lo veía, y si lo hacía, ella le pedía dinero amenazándolo con contarle a la novia de su padre que ella era su hija.

Hacia 1930-1931, Billie Holiday cantaba ya frecuentemente en varios clubes de Nueva York. Su popularidad empezó a cimentarse en 1933 cuando el productor John Hammond habló de ella públicamente en su columna de prensa y llevó a Benny Goodman a una de sus actuaciones. Después de la grabación de una prueba en los estudios de la Columbia, Billie se unió a un pequeño grupo de músicos dirigidos por Benny Goodman para hacer su debut comercial el 27 de noviembre de 1933 con la canción "Your Mother's Son-In-Law".
Billie Holiday fotografiada por Carl Van Vechten en 1949.


Estableciéndose en Harlem, Holiday comenzó a cantar informalmente en numerosos clubes. Alrededor de 1932 fue descubierta por el productor John Hammond en el club llamado MonetteŽs (aún hay algunas disputas entre historiadores acerca de quién fue el primero en escucharla y promoverla, aunque generalmente coinciden en que fue Hammond). Hammond dispuso varias sesiones para ella con Benny Goodman; su primer disco fue "Your Mother's Son-In-Law" (1933).

Fue por ese tiempo que tuvo sus primeros éxitos como cantante. El 23 de noviembre de 1934 cantó en el teatro Apollo recibiendo buenas críticas. Su presentación con el pianista y posterior amante Bobby Henderson hizo mucho para consolidar su prestigio como cantante de jazz y blues. Poco tiempo después Holiday empezó a presentarse regularmente en numerosos clubes en la calle 52 y en Manhattan.

Comparada con otras cantantes de jazz, Holiday tenía una tesitura limitada, de solo una octava. Ella compensó esa dificultad con un sentido rítmico implacable, una sutil expresión, y una inmediatez emocional. Más tarde trabajó con estrellas como Lester Young, Count Basie y Artie Shaw convirtiéndose en una de las cantantes negras de jazz de mayor reputación. Sin embargo tenía prohibido usar la entrada principal y debía esperar en un cuarto oscuro lejos del público antes de aparecer en escena. Explicaba el sentido del efecto dramático que presentaba en sus canciones diciendo: "Yo he vivido canciones como esa". Incluso cuando era joven y cantaba canciones triviales populares, su tono único y compromiso emocional hacían de su presentación algo especial.


Holiday fue aficionada a las drogas psicoactivas (aunque nunca se ha sabido con seguridad), usándolas durante casi toda su vida. Fumaba marihuana desde los doce o trece años de edad. Sin embargo fue la heroína la que la destruyó. No está claro quién fue el que introdujo a Holiday en las drogas, pero historiadores y fuentes contemporáneas coinciden en que comenzó su uso abusivo de intravenosas alrededor de 1940.

Los éxitos de Holiday fueron estropeados por la creciente dependencia a las drogas y el alcohol así como las relaciones abusivas. Esto afectó a su voz como también sus posteriores grabaciones: su espíritu joven fue reemplazado por un matiz de remordimiento pero a pesar de todo, su impacto en otros artistas es indudable. Incluso después de su muerte influyó en cantantes tales como Janis Joplin y Nina Simone. En 1972, Diana Ross actuó para la película “Lady Sings the Blues”, basada en la obra autobiográfica de Holiday. Todo el mundo quedó sorprendido, la película fue un éxito comercial y ganó la nominación de mejor actriz para Ross. En 1987, U2 lanzó “Angel of Harlem”, en tributo a ella.
Billie Holiday declarando ante un tribunal en la ciudad de Los Ángeles (California, EE.UU.) en 1949.

Su vida personal fue tan turbulenta como las canciones que cantaba. Se casó con el trompetista Jimmy Monroe el 25 de agosto de 1941. Mientras aún estaba casada con Monroe, tuvo una relación con el trompetista Joe Guy. Finalmente, se divorció de Monroe en 1947 mientras también se separaba de Guy. El 28 de marzo de 1952, Billie se casó con Louis Mckay, un “Justiciero” de la mafia. Mckay, como muchos de los hombres de su vida, era violento pero trató de sacarla de las drogas. Ya estaban separados en el momento de su muerte.

Holiday declaró abiertamente su bisexualidad y se dieron rumores de su aventura con la actriz Tallulah Bankhead. Bankhead desmintió los rumores.

Sus últimas grabaciones en Verve son recordadas como las grabaciones Commodore y Decca de veinte años atrás. Varias de sus canciones como “God Bless the Child”, “I love you porgy” o “Fine and mellow” se han convertido en clásicos del jazz. La presentación de este tema, “Fine and mellow”, en el programa de la CBS The sound of the Jazz, fue memorable por la interpretación con su querido amigo Lester Young; ambos estaban a menos de dos años de su muerte.

Cuando presentó una canción en contra de los linchamientos, “Strange Fruit” (Abel Meeropol), con textos como “southern trees bear strange fruit” (los árboles sureños dan extrañas frutas) le dio un puesto destacado no sólo en la historia de la música sino también en la de Estados Unidos.2

Fue arrestada por posesión de heroína y estuvo ocho meses en prisión. Su tarjeta para trabajar en los clubs de Nueva York (la New York city cabaret card) fue revocada, lo que imposibilitó que trabajara en clubes durante los últimos doce años de su vida. Posteriormente fue víctima de una estafa sobre sus ganancias y murió con tan solo $0.70 en el banco y $750 en efectivo. Al final de mayo de 1959 fue hospitalizada por dolor en el hígado y problemas de corazón. Fue condenada a arresto domiciliario el 12 de julio por posesión de narcóticos; en 1959, la adicción a los narcóticos era considerada un crimen. Billie Holiday permaneció bajo la custodia policial hasta su muerte por cirrosis hepática el 17 de julio de 1959 a la edad de 44 años. Billie Holiday fue enterrada en el cementerio Saint Raymond en el Bronx de Nueva York.


La inconfundible voz de Billie Holiday cambió con el tiempo. Su primera grabación a mediados de 1930 mostró una voz infantil y llena de vitalidad. A inicios de 1940 su forma de cantar comenzó a ser más sugerente por su habilidad a la hora de interpretar. Fue por este tiempo cuando ella grabó su personal "Strange Fruit" y "I Cover the Waterfront". Muchos describieron su voz como cariñosa, dulce, desgastada, experimentada, triste y sofisticada. A medida que creció, los efectos de su abuso continuo a las drogas cambiaron considerablemente el registro de su voz convirtiéndola en algo más ronca. Su última gran grabación fue "Lady in Satin", lanzada en 1958 y revelaba a una mujer con un registro limitado, pero con un fraseo y una emotividad maravillosa. La grabación tuvo el respaldo de una gran orquesta dirigida por Ray Ellis. Ellis dijo del álbum en 1997: "Podría decir que el momento más emocionante fue cuando la escuché interpretar "I'm a Fool to Want You". Había lágrimas en sus ojos.... Después de terminar fui al salón de control y escuché todos los temas. Tengo que admitir que fui infeliz con su presentación".


http://es.wikipedia.org/wiki/Billie_Holiday

Billie Holiday - Strange Fruit

Billie Holiday - Summertime


Impresionante Odetta,itó

[danibass]

grande HowlinŽWolf

[xaranzaina]

Casi dos metros,itó










Henry Townsend

Henry Townsend (Shelby, Misisipi, 27 de octubre de 1909 - 24 de septiembre de 2006) fue una pianista, guitarrista y cantante de blues.

Se trasladó con 19 años a Saint Louis, donde adaptó su estilo de guitarra, típico del Blues del Delta, grabando inmediatamente temas propios, muy influido por Lonnie Johnson. Al ser un instrumentista muy compacto, se convirtió en un músico de sesión en los estudios locales, acompañando a artistas como Robert Nighthawk, John Lee "Sonny Boy" Williamson o Johnny Shines. Colaboró también con Robert Johnson.

En los años 1940 abandonó la escena del blues, trabajando como empleado municipal, aunque continuó grabando en su propio estudio. Con el revival de los setenta, volvió a publicar grabaciones y a actuar en diversos festivales.

1966: Blues Rediscoveries
1970: The Country Blues: Vol. 2
1973: Henry T. Music Man
1984: The Blues in St. Louis, Vol. 3: Henry Townsend
2003: Classic Blues from Smithsonian Folkways
2008: Classic Piano Blues from Smithsonian Folkways


http://es.wikipedia.org/wiki/Henry_Townsend

Henry Townsend - Blind Girl Blues


Henry Townsend-Barrelhouse Blues

[xaranzaina]

Jimmy Reed



I'm Jimmy Reed(1958)
Rockin' With Reed(1959)
Found Love(1960)
Jimmy Reed at Carnegie Hall(1961)
Just Jimmy Reed(1962)
Jimmy Reed Plays 12 String Guitar Blues(1963)
Jimmy Reed Sings the Best of the Blues(1963)
T'Ain't No Big Thing But He Is...Jimmy Reed(1964)
Jimmy Reed at Soul City(1964)
The Legend: The Man(1965)
The New Jimmy Reed Album/Soulin(1967)
Big Boss Man/Down in Virginia(1968)
Found Love(1971)
Best of Jimmy Reed(1974)
Blues Is My Business(1976)

Jimmy Reed-Cold and Lonesome

Jimmy Reed-bright lights, big city

[infierno]

Esto esta para comprarse todos los vinilos de los tíos e irte al monte con el equipo de música a echar la noche...

[xaranzaina]

La rehostia el camarero con cigarro en la boca detrás de la bluesmana itó

Sin Marikonismos

No como ahora...

[Kraken]

Salud!



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Juegos BOL: busquen las 7 diferencias.

[Malospelos]

Buen post, muy buen post, bonito si señor.

[xaranzaina]

Thanks!




Chuck Berry & Koko Taylor










Koko Taylor


Su nombre de pila era Cora Walton. Nació en el condado de Shelby, Tennessee, siendo la hija de un aparcero.2 dejó Memphis para ir a Chicago, Illinois en 1952 con su marido, el camionero Robert "Pops" Taylor.1 A finales de los años 1950 comenzó a cantar en clubes de blues de Chicago. Fue descubierta por Willie Dixon en 1962, lo que le llevó a tener mejores actuaciones y su primer contrato de grabación. En 1965, Taylor firmó con Chess Records, con la cual grabó su single "Wang Dang Doodle" (escrito por Dixon, y siendo un éxito de Howlin' Wolf cinco años antes), y en el que intervenían el harmonicista Little Walter y el guitarrista Hound Dog Taylor,3 ; se convirtió en un gran éxito, alcanzando el número cuatro de las listas de R&B en 1966, y vendiendo un millón de copias.1 Taylor grabó muchas versiones de esta canción de Dixon en las últimas cuatro décadas, añadiendo más material, tanto original como versiones, pero nunca volvió a conseguir su éxito inicial en las listas.

Su gira nacional a final de la década de los 1960 y principios de los años 1970 amplió su base de fans y comenzó a ser accesible a un mercado mayor, firmando por Alligator Records en 1975. Grabó nueve álbumes para esta discográfica, 8 de los cuales fueron nominados a los Grammys, dominando las listas de cantantes femeninas de Blues y ganando 24 premios de la música blues (más que ningún otro artista. Tras su recuperación de un accidente de tráfico gravísimo en 1989, en la década de los 90 hizo apariciones en películas como Blues Brothers 2000, y abrío un club de blues en Division Street, Chicago en 1994, pero tuvo que cerrar en 1999.

Taylor ejerció su influencia sobre músicos como Bonnie Raitt, Shemekia Copeland, Janis Joplin, Shannon Curfman, y Susan Tedeschi. En los años previos a su muerte interpretó más de 70 conciertos al año y estableció su residencia al sur de Chicago, en Country Club Hills, Illinois.

En 2008 la Internal Revenue Service declaró que Taylor le debía 400 000 dólares en reembolsos de impuestos, penalizaciones e intereses. Sus problemas con los impuestos que afectaban a los ejercicios de los años 1998, 2000 y 2001; en esos tres años, sus ingresos brutos combinados fueron de 949 000 $.4

Taylor murió el 3 de junio de 2009, tras complicaciones después de una intervención quirúrgica por sangrado gastrointestinal el 19 de mayo de 2009.5 Su última actuación tuvo lugar en la sesión de entrega de los Premios de la Música Blues (Blues Music Awards) el 7 de mayo de 2009.

Discografía

Love You Like a Woman (Charly Records) - 30 de noviembre de 1968
Koko Taylor (MCA/Chess) - 1969
Basic Soul (Chess Records) - 1972
South Side Lady (Evidence Records) - 1973
I Got What It Takes (Alligator)
Southside Baby (Black and Blue Records) - 1975
The Earthshaker (Alligator) - 1978
From The Heart Of A Woman (Alligator) - 1981
Queen of the Blues (Alligator) - 1985
An Audience with Koko Taylor (Alligator) - 1987
Live from Chicago (Alligator) - 1987
"Wang Dang Doodle" (Huub Records) - 1991
Jump for Joy (Alligator) - 1992
Force of Nature (Alligator) - 1993
Royal Blue (Alligator) - 2000
Deluxe Edition (Alligator) - 2002
Old School (Alligator) - 2007

http://es.wikipedia.org/wiki/Koko_Taylor


Koko Taylor - Ernestine


Koko Taylor&Little Walter - Wang Dang Doodle

BB King & Koko Taylor - Blues Hotel

[kramer]

a vel ese de la taljeta dando por culing itó

¿no te jode la foto que pone de las marikonas enpelukerás?

[xaranzaina]

Son estos,itó




A Flock Of Seagulls - I Ran (So Far Away)

[xaranzaina]

Big Mama Thornton


Willie Mae Thornton (Montgomery (Alabama), 11 de diciembre de 1926 – Los Ángeles, 25 de julio de 1984) -reconocida como Big Mama Thornton en la escena musical-, fue una cantante estadounidense de blues y rhythm and blues. Tocó también la armónica y la batería. Prototipo de vocalista de blues, su voz es apasionada y exuberante, tendente a los desplazamientos de volumen. Su fuerte sentido de la independencia la privó probablemente de haber conseguido más contactos que hubiesen impulsado una carrera no excesivamente exitosa. Entre las influencias que se le pueden apreciar están las de Bessie Smith, Ma Rainey, Mahalia Jackson y Julia Lee. Fue la primera en obtener un gran éxito con la canción "Hound Dog" en 1952. El tema fue número uno en Billboard charts durante siete semanas.1

Su padre fue predicador y su madre cantaba en la iglesia. Los comienzos de Thornton se produjeron en la iglesia, pero en vez de dedicarse al gospel prefirió el blues. Cuando cumplió los 14, abandonó su casa para realizar una gira con la Hot Harlem Revue de Sammy Green durante los años cuarenta, permaneciendo en este espectáculo hasta 1948 cuando recaló en Houston. Nadie la enseñó ni a cantar ni a tocar la armónica y la batería.

Thornton realizó su primera grabación en 1950 para un pequeño sello de Houston. La grabación se hizo bajo el nombre de los Harlem Stars, aunque con Willie Mae cantando. En 1951 se introdujo definitivamente en el circuito musical de Houston cuando firmó con Peacock Records. Debutó ese mismo año con "Partnership Blues", acompañada por la banda del trompetista Joe Scott. Durante su estancia en Houston conoció y observó a muchos de los grandes blusistas como Junior Parker, quien la influiría enormemente en su estilo de armónica, a Lightning Hopkins, Lowell Fulson, Clarence Gatemouth Brown y muchos otros.

Fue su tercer trabajo para Peacock, con la banda de Johnny Otis, con el que consiguió triunfar en 1952; sobre todo, con la canción Hound Dog, que más tarde cantaría Elvis Presley.

En todo caso, fue algo accidental. A pesar de otros buenos trabajos, "I Smell a Rat", "Stop Hoppin' on Me", "The Fish", "Just like a Dog", nunca más volvió a tener un éxito semejante. A comienzos de los sesenta, sus trabajos para Irma, Bay-Tone, Kent y Sotoplay no fueron muy exitosos, pero una serie de títulos para Arhoolie Records y Mercury en 1968-1970 consiguieron revitalizar su carrera.

En los años 70, su adicción a la bebida enpezaba a dañar seriamente su salud. Sufrió un grave accidente de tráfico, si bien, aún fue capaz de recuperarse y volver a actuar en el 1983 Newport Jazz Festival y grabar un directo, The Blues—A Real Summit Meeting, con otros grandes artistas del género como Muddy Waters, B. B. King, y Eddie "Cleanhead" Vinson.2 Murió de un ataque al corazón el 25 de julio de 1984, a los 57 años de edad. Sus restos se encuentran en el Cementerio Inglewood Park de Los Ángeles, California.



1964 Big Mama Thornton in Europe
1966 Big Mama Thornton with the Muddy Water Blues Band
1969 Stronger Than Dirt
1970 The Way It Is
1970 Maybe R
1970 She's Back
1973 Saved
1975 Jail (Live)
1978 Mama's Pride

http://es.wikipedia.org/wiki/Big_Mama_Thornton


Big Mama Thornton ft. Buddy Guy - Hound Dog

Big Mama Thornton live 1971

Big Mama Thornton - Ball & Chain

[SUGATA]

BUFFFFFF.
En cuanto tenga un dia libre empiezo a pinchar links hasta que llegue la madrugada.
Brutal el conocimiento del Blues de Xaran.......
Madre del amor hermoso.

[kramer]

Poneros cascos y eschuchad este tema:

feeling, cada músico en su sitio, y voz

¿qué cojones mas se necesita?

http://www.youtube.com/watch?v=EtKtXhro ... re=related

[kramer]

joder con la Beyoncé

canta de cojones itó

http://www.youtube.com/watch?v=3ZdMqziD ... re=related

[Joe]

joder con la Beyoncé

canta de cojones itó

http://www.youtube.com/watch?v=3ZdMqziD ... re=related

+1

Me hizo tela de gracia el otro día un coleguilla de una de mis hermanas pequeñas... empezó, precisamente, a echar pestes de Beyoncé y a hablar de Metallica, el true metal... es lo que tiene tener 14 años!

[xaranzaina]

Si,mejor se dedicaba a esto...

Una pena

[kramer]

jíñate lorito

http://www.youtube.com/watch?v=JiHktoxE ... re=related

[SantiMoranti]

Como ya es habitual me quito el sombrero ante este maravilloso Post.

Xa

[kramer]

Er puto Xa es mucho Xa

luego hay mucho foro tésnico que dan muchas óldenes y tienen al vulgo vigilao itó

esto es la hostia, os lo dice la superiora

[xaranzaina]

El Blues es mucho Blues,itó

Yo solo pongo lo que escucho...

[xaranzaina]

El que quiera vigilar que se meta a madero...

[xaranzaina]

Freddie King

Frederick Christian King (3 de septiembre de 1934 - 28 de diciembre de 1976), también conocido como Freddie King y “The Texas Cannonball" (La bola de cañón de Texas), fue un influyente guitarrista y cantante afro-estadounidense de blues.

Su madre y tío comenzaron a enseñarle a tocar la guitarra a los seis años de edad. En 1950, su familia y él emigraron de Texas al lado sur de Chicago. En 1952 se casó con Jessie Burnett.

Freddie perfeccionó su propio estilo de tocar la guitarra basado en las influencias del blues de Texas y Chicago y fue el primer músico de blues en tener una banda multirracial. Aunque fue muy conocido por grabaciones como "Have You Ever Loved A Woman" (1960) y su éxito ubicado en los Top 40 , "Hide Away" (1961), el cual primero fue grabado con Will Aiken. También se le conoce por álbumse como, Let's Hide Away and Dance Away with Freddy King (1961) y Burglar (1974).

Cuando era un adolescente de 16 años visitó clubes locales en donde escuchaba música blues ejecutada por Muddy Waters, Howlin' Wolf, T-Bone Walker, Elmore James, y Sonny Boy Williamson. King tocó con Muddy Waters, Eddie Taylor, Jimmy Rogers, Robert Lockwood, Jr. y Little Walter.

King tuvo veinte años de carrera de grabación y llegó a ser un influyente guitarrista. Inspiró a muchos músicos británicos de los 60 que revitalizaron el blues, como Eric Clapton,[3] Chicken Shack y Peter Green y a músicos estadounidenses como Stevie Ray Vaughan, Jimmie Vaughan,[2] Bill Freeman y Denny Campbell.

King murió de uno fallo cardíaco el 28 de diciembre de 1976, a la edad de 42 años.Un testimonio de la presencia de King en el circuito de las bandas de rock estadounidenses se encuentra en la canción "We're an American Band" de Grand Funk Railroad, escrita por Don Brewer y que se basa en un incidente ocurrido a King en una gira.

http://es.wikipedia.org/wiki/Freddie_King

Freddie King: Ain`t No Sunshine When She`s Gone.

Freddie King - Have You Ever Loved A Woman

[xaranzaina]

Eddie Taylor



I Feel So Bad(1972)
Street Talkin(1975)
Bad Boy(1978)
Big Town Playboy(1981)
Still not readey for Eddie(1985)


Eddie Taylor-my heart is bleeding


Eddie Taylor - Bad Boy

[xaranzaina]

Jimmy Dawkins

Discografía

Fast Fingers(1969)
Jimmy Dawkins(1971)
All For Business(1971)
Tribute To Orange(1971)
Transatlantic 770(1972)
I Want To Know(1975)
Blisterstring(1976)
Come Back Baby(1976)
Hot Wire '81(1981)
Jimmy and Hip,Live!(1982)
Feel The Blues(1985)
All Blues(1986)
Blues From Iceland(1991)
Kant Sheck Dees Bluze(1992)
Blues And Pain(1994)
Blues Phur Real(1995)
Me, My Gitar & The Blues(1997)
West Side Guitar Hero(2002)
Tell Me Baby(2004)


Jimmy Dawkins-she got the blues too


Jimmy Dawkins - Me, My Gitar and the Blues

[danibass]

freddie king es de los grandes, se le nota el estilazo

[Malospelos]

Menudos BluesMen

[xaranzaina]

Mighty Sam McClain

Your Perfect Companion(1986)
Live in Japan(1988)
Give It Up To Love(1992)
Keep On Movin(1995)
Sledgehammer Soul and Down Home Blues'(1996)
Journey(1998)
Joy & Pain (1998)
Soul Survivor: The Best of Mighty Sam McClain(1999)
Blues For The Soul(2000)
Sweet Dreams(2001)
One More Bridge To Cross(2003)
Betcha Didn't Know(2009)
Scent of Reunion: Love Duets Across Civilizations(2010)
One Drop Is Plenty with Knut Reiersrud(2011)



Mighty Sam McClain - If you could see

Mighty Sam McClain-I'm Tired of These Blues

[OttO]

Que buenos

[SantiMoranti]

Mighty Sam McClain

Your Perfect Companion(1986)
Live in Japan(1988)
Give It Up To Love(1992)
Keep On Movin(1995)
Sledgehammer Soul and Down Home Blues'(1996)
Journey(1998)
Joy & Pain (1998)
Soul Survivor: The Best of Mighty Sam McClain(1999)
Blues For The Soul(2000)
Sweet Dreams(2001)
One More Bridge To Cross(2003)
Betcha Didn't Know(2009)
Scent of Reunion: Love Duets Across Civilizations(2010)
One Drop Is Plenty with Knut Reiersrud(2011)



Mighty Sam McClain - If you could see

Mighty Sam McClain-I'm Tired of These Blues

Me he dado una panzada en escuchar al Sr. McClain en Spotify, al que no tenía el gusto de conocer y he flipado. Queda apuntado en el cuaderno. Una verdadera maravilla.

Gracias Xa

[xaranzaina]

Es impresionante el viejo Bluesmen,itó

[Phobia]

El que quiera vigilar que se meta a madero...

Pedazo de hilo que se me había escapado

A favoritos se va itó

Thanks Xaran

[kramer]

la gorfing mother que parió a este kijopú

http://www.youtube.com/watch?v=KbvgfcFf ... re=related

pol favol, escuchen con caskos

[xaranzaina]

Peazo cepunto

[danibass]

http://www.youtube.com/watch?feature=pl ... IA_WC7pIDk#!


el solo de Buddy Witthington (5:50 pa lante) brutal, que grandes coño